« Un grand succès dans un petit théâtre vaut bien mieux qu’un petit succès dans un grand théâtre et encore mieux qu’un petit succès dans un petit théâtre. »

--Eugène Ionesco

Théâtre

Une pièce d'Eugène Ionesco mise en scène par Arnaud Denis.

M. et Mme Smith reçoivent M. et Mme Martin au cours d'une très ordinaire soirée petite - bourgeoisie anglaise. Les deux couples échangent des propos d'une banalité affligeante et plus les heures passent, plus les discussions prennent un proportion délirante et burlesque sans compter une servante aux moeurs débridées.

C'est un humour à décoiffer une cantatrice sans aucun doute et le spectateur se laissera envahir par l'hilarité de ces personnages "so british" que les Monty Python's apprécieraient à n'en pas douter.

Un classique, un chef-d'oeuvre!  周二去看cette piece，回来上 la commentaire.

le costume de la princesse ninolia pour la piece de artichaux qui enfin a fini.

小组的共同任务也快要结束啦 。一共两件剧目，一个儿童剧有点“弱智弱智”的.
                                                                另一个是波斯人来巴黎，两个波斯人来巴黎，波斯人的内心生活有点想我们现在的心情，一个波斯人完全积极和好奇的看着这个陌生的城市，而另一个总是惦念着家，对新事物抱着消极的态度，想尽早回去。无论怎样他们都在路上有着自己的个性和选择，也因为个性不同而有不同的选择。没有对没有错，只是大家不是同一类人罢了。

不要茫然，走下去吧 ⋯⋯

蒙娜丽莎是意大利最早的一幅半身画像，画中人物坐著并把交叠的双手搁在座椅的扶手上，从头部至腰部完整的呈现出半身形体，一改早期画像只画头部及上半身、在胸部截断的构图，为日后的画家及摄影师树立新的肖像图基本架构。

达·芬奇使用金字塔结构来将画中的女士简单而充满地放置在画中。她的叠在一起的手构成金字塔前方的角。她的胸部、颈部和面部焕发出与她的手同样的柔软的光芒。这些有机部分的光芒的变化显示出肉体的丰满和柔润，包括上述的笑容。西格蒙德·弗洛伊德将这个笑容理解为画家对他母亲的性感的怀念。其他人将它描写为天真的、诱媚的或甚至于出神的或悲伤的。应该指出的是达·芬奇当时的肖像画多半带有这样的微笑。

神秘的蒙娜丽莎除了以其微笑著称，画中人物的眼神也相当独特。无论你从正面哪个角度赏画，都会发现蒙娜丽莎的眼睛直视著你，这使人感到蒙娜丽莎的眼睛彷佛是活的，会随着观众的视角游走，并对所有观众抱以永恒的微笑。

一些学者试着讨论为什么不同的人对这个微笑的感觉不同。这些理论有科学性的，也有的从蒙娜丽莎的实际人物和感觉出发。有人说，蒙娜丽莎的微笑只有在 斜眼看的时候才看得出来。还有人认为这个微笑如此捉摸不定因为它利用了人的视觉中的干扰。提出蒙娜丽莎是米兰公爵夫人的理论的人说，蒙娜丽莎的微笑是如此 悲伤因为这位公爵夫人本人的生活很悲伤，因为她的丈夫如此有权势、是个酒鬼和经常打她。这为公爵夫人自己曾说她是世界上“最不幸的妻子”。

虽然这幅肖像的手法简单，但人与背景之间的和谐使这幅画成为历史上最著名的、分析得最细致的一幅画。画中妇人的头发与衣服的曲线与背景中山谷和河流的弯曲相趁。整个画的和谐性体现了达·芬奇对人与自然界的联系的观念，使这幅画成为达·芬奇的世界观和他的天才的永久的记录。

在人的背后，一个遥远的背景一直延伸在远处的冰山。只有弯曲的道路和远处的桥梁显示着人的存在。模糊的分界线、潇洒的人物、光亮与黑暗的明显的对比和一个总体的冷静的感觉都是达·芬奇的风格。

蒙娜丽莎是第一幅将人画在一个想象的背景前的肖像画。有意思的是后面的风景并不对称。人左面的风景比右面的明显低。有的评论家认为这说明左面的部分是后加上去的。

蒙娜丽莎被多次修复。X光探测证明在现存的蒙娜丽莎后面还有三个过去的版本。画的薄的白杨底板的变形比原来想像的要大，因此博物馆的修理员正在考虑怎样来保持这幅画的原状。

1.[构思]如何开始取决于你的主题是什么，想表达什么。每个人都有自已表达的方式，只是有时侯自已没有认识到而 已。在绘画创作的时，你可以有风格，个性化，不是非要画得如何写实如何细腻才叫好。”同样的方式也有许多方法去表达“，对了，你就是你自已，不是别人，想 做个艺术家不要把你的想象局限在纸上。天空和大地都属于你，你周围能能感触到的一切，都是你可以联想的财富，要开发的素材。你可以赋予它们生命，创造这个 自己的世界。不要看别人，世界属于你。从你跳动的心脏开始，这一切的一切都属于你。他们都在向你描述自已的故事，你应有这个世界，世界也应有了你。你自 已，描述你的个人空间，表达这个世界给你带来的感受，因为你就站在那里。拿起你的笔，挥舞你的手臂，画出天地，创造幻想，不要被空间所束缚......
     好的，希望你能从这里开始！用你的方式画出你的风格，来吧......

2.[灵感]我喜欢感觉，因为灵感需要你的感觉去充实它，因为绘画也需要很强的好灵感。灵感一闪而来，你要不及时 抓住它，它又一闪而过。落笔前先酝酿一下自已的感觉，好充实灵感。我会先想一下起伏澎湃的海浪，再想想翻滚变化的云层，笔触在海浪间澎湃，灵感一跃翻涌而 出在云层中隐现，这些东西你要不及时表达在笔尖就会被遗忘。怕丢失就要抓住它，你自已的灵感。想好创意动笔时就如行云流水一般顺畅。要做到一气呵成，收笔 时心胸开阔，就是一种发泄，强烈地把自已想象的表现出来，我管这叫“抓住灵感”。画时不要在乎你的纸在哪里，只在乎及时表达，这样才能做到心胸开阔。要保 持住你的绘画心态，我认为这一点很重要，以自已的方式抓住灵感，充实你的绘画激情！

3.[积累]要把握好自已的最佳状态，随时都能从生活当中找到你的灵感来源。抓住能在你脑中一闪而过的任何亮点，记录下生活中不同的事物，积累和储存它们，这就是在积累和充实你的创作空间，储存艺术生命。

4.[联想]有了联想就有了更大的创作空间。你要有“跳跃思维”和活跃伸缩的“张力”就先要懂得观察事物静动之间 的对比。只要你仔细观察，事实上它们都在时时刻刻提醒着你，引导着你的思路！例如自然界的纹理、树、树叶、 草原、 沙漠、 烈日、 火山、 熔岩、春装、雷雨、水、水滴、波纹、大海、巨浪、狂风......各种属性在对比连带之间环环相扣，各种联想方式对比跳跃，有凸就有凹，有炎热就有寒冷， 有新生就有死亡。死亡不代表毁灭，新生不代表永恒，有高大就有渺小，有后退就有前进，有对比就要有夸张。你的思路不要拘束在画面中，要学会破格。在对比之 间跳跃构思，收集、组合、搭建它。联想小到一个细胞，大至整个宇宙，及时表现你的世界观。

5.[对比]互相对比，对比和衡量是很重要的！看到事物的正面就要想到事物的反面，任何事都不是绝对的，看你如何 去理解，又能如何去表达，搞艺术创作也是一样。画出你自已的风格，表达你自已的思维方向，能看到你画的另一面，理解它才能表达它！在画面、色彩、透视、情 节、形体、线条、光影、文字等方面，不管你用哪一种方式，如何对比也就是如何表达！

6.[表达]是一种自信！要相信自我，即时表达，表现的不是你的画技而是你的自信。敢于勇敢地面对自我，万人面前挥笔泼墨面对自已！
    对于艺术在生活中要有一种表现欲望！也时刻都在表现自已。挖掘灵感，也要让灵感通过内心中的感受和激情以你自已的方式爆发出来，也要学会酝酿激情，把你的感觉抒发写意出来，带着你的激情在笔尖燃烧！
    创作是种快乐的挥舞，最重要的也要能够用你独一无二的方式表达出来！只要你想到就能做到，有自信才有自我！

7.[技法]成熟的技法并不代表你必须要有如何深厚的练习功底。要有深厚的兴趣，不是谁叫你去画，而是不画不行。 就像是对甘露的渴望，美味的垂涎，异性的诱惑，这是一种爱。禁不住笔端的诱惑和心灵的呼唤，你要呼应它，表达它，更离不开它——源自内心的热爱和激情！重 要的是你必需有这方面的灵感和胆量，要培养自已的灵感和兴趣，大胆构思。盲目的下笔操练，我认为是错误的。在意更在行！......想是最重要的，需要练 习和不断弥补的是流畅的感觉。肯定的笔触，成熟的构思，大胆的表达时刻充实着你的大脑，敢于想象也要敢下笔！技法是种内心的积累。

8.[节奏]绘画时要有自已的节奏和感觉，你的画面也要充满旋律。看着自已画的线条，就象看到有旋律的乐谱，听到有节奏的音乐（我听到的多数都是打击乐和萨克斯——我的节奏）。你如果找到了自已绘画的节奏、那你就会叫灵感充盈你的画面。

9.[压力]压力是动力的载体，有压力才有动力，有规律就会减轻压力，加强动力。压力并不代表压迫加剥削自已，对懒惰的人来讲它就等于推动力，在助推你前进，要以你的能力调控它！

  我认为每个人都有懒惰的一面，（呵呵，我是比较懒的那一种），它是你的一个宠大空间，你时时刻刻都在填充它。不满足它，你也会缺乏动力，因为你要证明自已 有能力解决自已的问题，深呼吸一大口气，挺直胸膛，先放下你的包袱，“要学会放下”轻松地面对自已。能看到事物的另一面，换一个角度考虑问题就好了，拿得 起，也要放得下，我认为这也是艺术修为的一部分。当你登上一个新的阶梯时，就会面对新的问题，这是就要重新充实自已，才能跨越自我，提高一个新层次。每天 在你的画板笔端都要有新发现，要学会不断地推翻自已......来吧，大胆地尝试一下，用压力填充自已，给行动增加动力。不断地革新刷新，一个个地击破困 难。勇敢地跨越自已才能发现你的新大陆......

10.[逻辑]先要调整你的思维“逻辑”，你今天有何新发现？......

画，喜欢就去画，什么都不必想。实际上画画时会产生很多想法，但是能经得住推敲的很少，最后留下来的不一定最理想，但是最适合。

自从我第一次从国王剧院的边台听到并观看到《波西米亚人》La Boheme歌剧时,它便成为我最喜欢的歌剧之一,当时我还是个孩子,我不得不在后台等我的妈妈,一个歌剧的歌者,为西澳歌剧公司主唱多次.这也许是引导我走向艺术并把艺术作为职业的关键因素之一。

我总是喜欢把《波西米亚人》La Boheme绘制成歌剧,所以当它与西澳的芭蕾舞蹈艺术结合时,这种设计便成为了一种惊奇。在30年代与安娜Anna French(我认为是这个国家有史以来最优异的服装设计师)通力合作设计中,我感觉到与她合作真是非常愉快不容错过. 我和西蒙•\;多Simon Dow (艺术总监)从未合作过, 所以,我想这是个很好的机会让我们可以一起工作。

服 装点评 设计首先是一个合作艺术形式. 而且每一个项目总是从具体的讨论开始, 包括特定作品的许多方面. 舞台舞蹈作出最初的决定. 鉴于在作品中想要实现的, 服装设计师, 布景设计师, 灯光设计师, 需要合作来实现舞台舞蹈的目标. 音乐的选择决定了感情的质量, 并会指导颜色和色调选择的方向, 来强化芭蕾的情绪. 我们设法使每个作品都有自己个性. 这需要适应情节, 以及选择合适的时期来布景芭蕾. 一些时期的衣服更容易适应舞台舞蹈的需要. 同时我们也感觉把人物性格描绘成如真实人一般有强烈的感情色彩是很有必要的. 这通常需要设计师建立性格轮廓, 在文字或歌词以上充实性格描绘逼真的人物, 他们是谁, 他们从哪里来, 以及什么造成了他们如今的生活状态. 我参考了《波西米亚人》La Boheme的最早版本, 歌剧歌词, 并考虑到所选舞蹈家的个性和身体素质. 这样在19世纪30年代建立了Boheme,（19世纪30年代的Boheme就这样建立起来） 因为这并不是一个精细的时期, 我们能够把注意力放在人们的现实生活中. 这段时期生活在巴黎的Bohemian(波希米亚人)的生活方式十分繁华时尚，作为设计师我们必须使信息通过视觉传递给听众. 我彻底地研究了那个时期, 当时的历史, 衣服的缺口, 布料的质地, 饰品, 发型以及那时的行为方式. 为了更好的演绎接近Boheme的服装, 我在今年冬天去了巴黎, 灯光的柔和灰色, 狭窄鹅卵石街道上的阴影, 下雪的景象, 桥, 灯柱, 生动的街道的生活, 都充满灵感.